Philippe Ciaparra

FotoNostrum Magazine No.6

We Photograph Who We Are

Philippe Ciaparra

When I look at my landscape work, time and again, I find a correlation between form and a balance of volumes. If questions arise, they occur by themselves over time. They are generated by our subconscious in relation to our creative processes. In addition to taking photographs in a permanent state of introspection, this questioning has an effect on my creative momentum not as a difficulty but as an enquiry into the atmosphere of a place. I have photographs in the making in me, with the certainty that depiction will always prevail over reality. My photographs do not have the sole function of showing reality.

What I try to express in my photographs remains enigmatic, the more I ask myself this question, the fewer answers I have. I believe the atmosphere in the places I photograph, the feeling of restriction through which I arrive at this mental inwardness, both of which are recurrent in my work, are ways of setting my inner world, focused on loneliness and thinking about the world around me and are distinctive of my personality. Essentially what I am looking for is inwardness, this innerness, I like letting it come into me; photography is my medium, it is also my receiver.

I do not remember being influenced by other photographers’ work, although I know one cannot escape entirely from being influenced by others. I do believe that New Objectivity as well as the Düsseldorf School were stimulants no doubt. When I travel, I think of Minor White and Paul Caponigro as often as possible.

Upon my return from my last three months long winter trip of 2016-2017 through the United States and Canada, I first spent ten days in my Paris dark room to develop my black and white negatives and make my contact sheets. I spent two more weeks in Marseille making a rough selection of some hundred and eighty photographs from the hundred and thirty films I exposed during my travels. From this basic selection, I scan the negatives and adjust the contrast and density to the reference values ​​for the final print. I point up certain areas of the image to refine the black and white values​. My print is accomplished once it attains a certain lyricism. I then make an inkjet print, as an archival and a reference print, and a mere step in the making of my final prints, be they silver salt or palladium salt prints; my exhibition prints are never ink on printing paper. They are precious prints, made according to the good old noble process of photography that I learned as a child, namely that of light interacting with silver in gelatin to modify its nature.

My choice of gear depends on my destination and especially on the season of travelling. I have a preference for an old Nikon F2 camera – with an exceptionally luminous 58 mm lens, like the one Larry Burrows used during the Vietnam War_, with its huge motor and automatic diaphragm preselection system, revolutionary for its time, that clips onto the body. I like this camera and the noise of its shutter release, it is heavy, it weighs close to 3 kg, it has a great look. During my travels I use Kodak Tri-X film that I have been using since my childhood. Locking myself in my dark room for three months has never been a problem for me. I love the smell of the fixer in the morning. I have always enjoyed placing the negative in the holder of my enlarger, an Omega B8 dating from the seventies, as majestic as an old Cadillac.

It is hard to say exactly how I arrive at my ideas. A way of thinking is complex to define and I do not think I can describe it with certainty. However, it is obvious that creative intentions are the fruit of a process of reflections that evolves over decades, from intuitive approaches to intellectual reflections that ultimately determines action. For me, struggling against the illusions of reality was and remains an ongoing battle. What is essential, is to know where to place your eye. Sometimes I think it is all about techniques, experiences and hard work. I hope I am wrong, for if not, what will remain of these remarkable thought patterns and of the mystery of creation?

My activity as a photographer is multifaceted and diverse. I am a fashion and portrait photographer but I have also researched and developed a body of personal work, namely landscape, portraits and nudes, or rather ‘corporal landscape’ For my commercial activities, I work mainly in the studio with artificial light or, more rarely, with the client in natural light settings for institutional portraits. For landscape photographs, of course I have no choice but to work outdoors, often during the short moment between the end of the early evening and the beginning of the night, to find that dark atmosphere so dear to me. For the nudes, I work exclusively in the studio, in privacy and with artificial light in the form of a large light box with constant diffusion.

Following the publication of my book, “Paysages & Transfiguration” (k éditeur, Paris 2020), I am now developing a body of work in color, as a furtherance of my twilight landscapes. I am setting out to discover the language of color, which is foreign to me. Color perhaps aims to reproduce reality or at least to modify the perception we have of reality. I am apprehensive about this experience, since Fuji Pro 400H film alone will not suffice to produce color photography, it is my very way of thinking about landscape photography that will have to be reconsidered. In the end, we photograph who we are.

Paris, June 2020

Translated from French by Rina Sherman

FotoNostrum Magazine, 07/2020

‘’Nous photographions ce que nous sommes‘’

Y a-t-il des thèmes récurrents dans votre travail? Quels problèmes aimez-vous aborder?

Quand je fais la synthèse de mon travail sur le paysage crépusculaire, j’y retrouve à chaque fois cette alliance entre la forme et l’équilibre et d’une manière générale les questions arrivent par eux-mêmes au fil du temps, elles sont générées par notre subconscient vis-à-vis de notre démarche créatrice, outre le fait de me retrouver à faire des photographies dans un état introspectif permanent, cela influe sur mon élan créatif non pas en tant que problématique mais en tant que questionnement sur l’atmosphère d’un lieu, j’ai en moi des photographies en devenir, toujours certain que la représentation va l’emporter sur le réel.

Mes photographies n’ont pas que seule fonction de montrer la réalité.

Qu’est-ce que tu veux exprimer avec tes photographies et comment fais-tu pour le faire ?

Ce que je veux exprimer avec mes photographies reste énigmatique, plus je me pose cette question et moins j’ai de réponses. Ceci dit, je crois que cette atmosphère crépusculaire dans les lieux que je photographie, ce sentiment d’enfermement qui m’aide à atteindre cette intériorité mentale et qui est récurrente dans ma démarche est une façon de mettre en scène mon univers intérieur axé sur la solitude et la réflexion sur le monde qui m’entoure et qui est propre à ma personnalité. Oui, au fond ce que je recherche est l’intériorité, cette intériorité que j’aime à laisser venir en moi, la photographie est mon medium, elle est aussi mon récepteur.

Quels mouvements artistiques ou autres artistes influencent votre travail ?

Je n’ai pas le souvenir d‘avoir été influencé, même si je sais que l’on ne peut y échapper. Je crois que la Nouvelle Objectivité ainsi que l’École de Düsseldorf ont étés sans doutes des stimulants. Je pense aussi souvent que possible à Minor White et Paul Caponigro lorsque je voyage.

Quel type d’outils utilisez-vous pour le post-traitement ? Expliquez votre flux de travail.

Après de mon trip de soixante-et-quinze jours à travers les États-Unis et le Canada pendant l’hiver 2016-2017 j’ai passé deux semaines à Marseille afin d’y faire une large sélection d’environ cent-quatre-vingt photographies sélectionnées sur cent trente films après avoir passé dix jours dans mon laboratoire parisien pour développer mes négatifs noirs & blancs et faire mes planches-contacts.

Photoshop est mon outil principal, j’y scanne mes négatifs et revois le contraste et la densité pour ce qui seras les valeurs de référence pour le tirage définitif, je fais ressortir certaines zones de l’image afin de sublimer les valeurs du noir et du blanc.

Mon tirage est abouti lorsque j’y vois un certain lyrisme. Je fais alors un tirage jet d’encre, qui ne seras qu’un tirage d’archivage et de référence et simplement une étape dans la réalisation de mes tirages définitifs, qu’ils soient aux sels d’argents ou aux sels de palladiums, en aucun cas mes tirages d’exposition ne serons de l’encre sur du papier d‘impression. Ils seront précieux, selon le bon vieux procédé noble en photographie, celui que j’ai connu alors que j’étais encore enfant, à savoir de la lumière interagissant avec l’argent dans la gélatine afin d‘en modifier sa nature.

Quel type d’équipement utilisez-vous ?

Cela dépend de ma destination et surtout de la saison. J’ai ma préférence pour un vieux boitier Nikon F2 avec un 58 mm exceptionnellement lumineux, dans le genre de celui qu’avait Larry Burrows pendant la guerre du Viêt-Nam, avec son énorme moteur et un système de présélection du diaphragme automatique, révolutionnaire pour l’époque, accroché au boitier. J’aime beaucoup cet appareil et le bruit de son déclenchement, il est lourd, pas loin de 3 kg, ce qui lui donne vraiment une belle allure.

Lors de mes voyages j’utilise de la Kodak Tri-X qui m’accompagne depuis mon enfance. M’enfermer pendant trois mois dans ma chambre noire n’a jamais été un problème pour moi et j’aime l’odeur du fixateur le matin. J’ai depuis toujours ce plaisir à placer le négatif dans le passe-vue de mon agrandisseur Omega B8 des années soixante-dix aussi majestueux qu’une vielle Cadillac.

Vos idées sont-elles le résultat d’une étude précédente ou surgissent-elles pendant le tournage ? Expliquez votre processus créatif.

Un mécanisme de pensée est complexe à définir et je ne crois pas qu’il me soit possible d’y répondre avec certitude. Toutefois il est évident que toute intentions créatrices est le fruit d’un processus de réflexions qui évolue durant des décennies, de démarches intuitives en réflexions intellectuelles et qui finalement détermine l’action.

Lutter contre les illusions de la réalité a été et reste un combat permanent. Je crois qu’au fond, l’essentiel est de savoir placer son regard au bon endroit.

Il m’arrive parfois de me dire que tout est question de techniques, d‘expériences et de travail acharné, j’espère être dans l’erreur car que resteras-t-il de ces étonnants mécanismes de pensée et du miracle de la création ?

Préférez-vous la prise de vue sur place / en studio, lumière naturelle / artificielle

Mon activité de photographe est multiforme et extrêmement diversifiée. Je suis à la base photographe de mode et de portrait mais j’ai aussi un travail personnel, (que l’on appelle vulgairement de la recherche personnelle) à savoir du paysage, du portrait et du nu, plus communément appelé « paysage corporel ».

En ce qui concerne mon activité commerciale j’opère essentiellement en studio en lumière artificielle ou plus rarement chez le client en lumière naturelle, lorsqu’il s’agit de portraits institutionnels.

Pour le paysage, bien évidement je n’ai pas d’autre choix que de travailler en extérieur, toujours entre la fin de la soirée et le début de la nuit pour y retrouver cette atmosphère ténébreuse qui m’est cher. Pour le nu il se fait exclusivement en studio, dans l’intimité et en lumière artificielle avec l‘aide d’une grande boite à lumière en diffusion constante.

Y a-t-il un projet sur lequel vous travaillez actuellement dont vous aimeriez nous parler?

A la suite de la publication de mon premier livre en janvier 2020, Paysages & Transfiguration aux éditions k éditeur, je prépare déjà un travail sur la couleur, toujours vers un aspect du paysage crépusculaire, j’ai envie de découvrir le langage de la couleur qui m’est étranger. La couleur vise peut être à reproduire la réalité ou en tout cas a modifier la perception que nous pouvons avoir du réel et c’est une expérience que j’appréhende car il ne me suffira pas d’une Fuji Pro 400H pour faire de la photographie couleur, ma façon de penser la photographie de paysage devra être reconsidérée.

Shades of Grey magazine No.25 Août 2020, entretien avec Jean Michel Missri

Le 11 mars au 27 avril 2020

Quand et comment avez-vous commencé la photographie.

Vers neuf ou dix ans. J’étais passionné d’astronomie, j’avais monté mon appareil photo sur un trépied et je photographiais en pause longue le ciel la nuit, je voulais photographier les étoiles. Une fois mes photographies développées par le photographe de mon quartier, il y avait des grands cercles lumineux dans le ciel nocturne, je ne comprenais pas bien de quoi il s’agissait. Ensuite, vers onze ou douze ans, j’ai commencé à photographier tout ce qui m‘entourait lors de mes promenades dans les vielles rues de Marseille, à développer mes films noirs et blancs puis à faire mes tirages.

Quel style d’images regardiez-vous quand vous avez commencé ?

Celles de W. Eugene Smith, The Walk to Paradise Garden (1946), ses séries comme Pittsburgh (1957) et As from my Window (1958) sont saisissantes. Julia Margaret Cameron et les préraphaélites pour la noblesse des visages et l’immense Diane Arbus, évidemment.

Je me souviens d’avoir été longtemps fasciné par cette photographie de René Burri qu’il a réalisée à Sao Paulo en 1960. Quatre silhouettes d’hommes en contre-jour, collés à leurs ombres, marchant tranquillement sur le toit d‘un immeuble déporté sur la droite de l’image, sur la gauche, beaucoup plus bas, une longue rue mouvementée à la perspective verticale.

Quelles sont vos principales influences.

Je n’ai pas le souvenir d‘avoir été influencé, même si je sais que l’on ne peut y échapper. Je pense qu’Albert Renger-Patzsch et la Nouvelle Objectivité ainsi que l’Ecole de Düsseldorf ont étés sans doutes des stimulants. Ceci-dit, Minor White et Peter Downsbrough sont depuis longtemps présents dans ma bibliothèque.

Qu’est-ce qui vous a attiré vers la photo de voyage et de paysages ?

Un voyage s’apparente à une forme d’abandon, s’éloigner de sa propre personne c’est aller aux confins d’une expérience mystérieuse. Le fait de me retrouver à faire des photographies dans un état introspectif permanent est sans doute un facteur important quant à mon plaisir de voyager. Enfant j’étais déjà très solitaire, je rêvais déjà de tous ces mondes lointains, ces théâtres en clair-obscur. Je m’y sens à présent extrêmement à l’aise, même si je ne suis pas toujours dans des lieux rassurants, alors que la musique d’Anton Webern et Jana Winderen m‘accompagne. Le paysage, ou du moins ce que j’estime être un paysage, est pour moi la sérénité, une sorte de force tranquille avec sa magie et ses secrets. Je voyage loin et longtemps car j’aime me souvenir de mon voyage alors que je suis encore en train de le vivre.

Vous avez une approche plutôt ténébreuse pour vos différents paysages noir et blanc, pouvez-vous nous expliquer votre manière de fonctionner ?

Un mécanisme de pensée est complexe à définir et je ne crois pas qu’il me soit aisé d’y répondre avec certitude, la raison reste énigmatique mais je ne vais pas esquiver votre question. J’aime les paysages crépusculaires, ces moments de transitions entre le jour et la nuit car il y a le mystère de l’instant, ils m’éloignent des illusions de la réalité et me font dévier du réel vers l’imaginaire dont j‘ai besoin. Beaucoup de mes photographies dépendent de ces derniers sursauts de lueur. Je me plonge alors dans cette atmosphère faite d’onirisme, ma photographie n’a pas que seule fonction de montrer la réalité.

Cette approche a-t-elle changé votre vision du monde, et que représente la photographie dans votre vie ?

 Je crois qu’il ne faut rien exagérer, il y a le monde réel et celui qui se dégage de ma vision, j‘arrive heureusement à faire la différence, j’ai simplement une relecture de l’espace et de sa structure. J’adore mon activité et la photographie est clairement le moteur de ma vie, j’ai une relation intime avec elle et elle me permet de gagner ma vie en tant que photographe de mode et de portrait. Je me souviens de ces années grises à mes débuts et il m’a été difficile de faire ma place dans le métier, ça me demande chaque jours une rigueur extrême, une disponibilité constante et des sacrifices, je me suis souvent retrouvé dans le doute d’avoir fait les bons choix et à haïr la profession pour son ingratitude. Il sera temps de prendre une certaine distance avec la photographie lorsque j‘aurai l‘impression de m’être complètement exprimé.

Comment choisissez-vous vos destinations, et comment préparez-vous vos prises de vue ?

Mes voyages sont intérieurs et seul l’accomplissement visuel en est le but. J’aime les pays qui offrent une grande diversité dans le paysage, ces villes effacées et sans noms du Dakota du Sud. On m’a souvent reproché d’aller au bout du monde pour faire des photographies que j’aurais pu faire à quelques kilomètres de mon domicile. J’ai besoin de cet isolement, d’être le plus loin possible de mon quotidien pour pouvoir photographier. Pour voir mieux, j’ai besoin d’une attention neuve.

Je ne prépare pas à proprement parler mes prises de vues et en dehors de mon matériel photographique réduit au minimum, aux Etats-Unis par exemple, j‘ai simplement besoin de cartes routières, de vêtements d’été et d‘hiver, de ma tente d’expédition et de divers objets susceptibles de m‘être utiles que j‘achète sur place.

L’hiver est ma saison préférée pour partir, on me dit d’elle qu’elle est désolation et mélancolie, pour moi elle est tout autre, elle est faite de bien-être et d’extase propice à la création.

L’intention et la vision sont deux éléments importants. Avez-vous une idée précise des images que vous voulez, ou faites-vous confiance à l’improvisation et à la chance ?

La question sur l’intention et la vision est une dualité permanente qui me fait penser à ce qu’un célèbre cinéaste, dont j’ai oublié le nom, disait à son auditoire : « Vous serez réalisateurs le jour où vous pourrez réaliser le film que vous voyez lorsque vous fermez les yeux » Cette pensée est d’une remarquable lucidité et cela peut parfaitement être transposé à la photographie où se pose la question de la dépendance au réel.

Je me donne comme seul axe l’équilibre des formes, la matière et la « couleur », quant à ma vision elle est faite d’horizons silencieux baignés dans cette lumière crépusculaire d’hiver si particulière et propres à ces régions dans lequel je me trouve. Ces éléments associés sont alors susceptibles d’être photographiés à la seule condition qu’ils puissent devenir un paysage. Quant à l’improvisation et à la chance ils peuvent parfois générer des combinaisons inattendues et fort intéressantes. Regardez par exemple cette photographie de Cartier-Bresson Derrière la gare Saint-Lazare (1932), à une demi-seconde près ce miracle n‘aurait pas été possible.

Quel a été votre meilleure expérience photographique ?

 Au cœur du Yukon sur la Dempster Highway il y a quelques années en hiver, tôt le matin, dans un absolu silence et à quelques minutes avant le lever du jour, tous ces arbres de songes sur le bord de la route glacée semblaient partir vers l’infini, ils se voulaient plus majestueux les uns que les autres. Les branches gelées scintillaient, ça leurs donnaient un aspect irréel.

Descendu de mon véhicule, les yeux fixés vers cette féerie étonnante, les flocons de neiges tombaient si lentement du ciel noir qu’ils semblaient être suspendus, un instant j’y ai entrevu mon rêve d‘enfant. Un enfant lumière et rêveur, aux yeux émerveillés, doté de l’invraisemblable pouvoir de ralentir le temps qui passe.

Quel matériel utilisez-vous ?

Cela dépend de ma destination et surtout de la saison, dans tous les cas se sont des appareils 24×36 argentiques équipés d‘objectifs fixes très lumineux me permettant de travailler en basse lumière et d’éviter de tomber en dessous du quart de seconde. L’hiver je privilégie un boitier moderne et fiable équipé d’un unique 45mm stabilisé, ce qui me permet de le manipuler facilement d’une seule main avec des gants de grand froid.

À l’intersaison, les températures sont plus clémentes et les conditions de prises de vues moins rudes, j’utilise un boitier entièrement manuel, plus délicat à manipuler, léger et discret mais plus fragile aussi.

Pour les voyages occasionnels, j’y apporte toujours un vieux boitier avec un 58mm exceptionnellement lumineux, dans le genre de celui qu’avait Larry Burrows pendant la guerre du Viêt-Nam, avec son énorme moteur et un système de présélection du diaphragme automatique accroché au boitier, j’aime beaucoup cet appareil et le bruit du déclenchement, il est lourd, pas loin de 3 kg, ce qui lui donne vraiment une belle allure.

J’ai aussi un second boitier, plus rudimentaire, au cas où le boitier principal tomberait en panne, dans tous les cas je travaille en film noir et blanc que je traite moi-même lors de mon retour à Paris. M’enfermer pendant trois mois dans ma chambre noire n’a jamais été un problème pour moi et j’aime l’odeur du fixateur le matin. Cela me permet d’être encore dans mon voyage, j’ai depuis toujours ce plaisir à placer le négatif dans le passe-vue de mon agrandisseur américain des années soixante.

Comment et avec quels logiciels traitez-vous vos images ?

 J’utilise un logiciel de traitement d’image afin d’optimiser mes photographies. Je scanne mes négatifs et revois le contraste et la densité, ensuite je fais ressortir certaines zones de l’image afin de sublimer les valeurs du noir et du blanc. Mon tirage est abouti lorsque j’estime lui avoir apporté un certain lyrisme.

Votre dernière exposition était centrée sur le paysage, toutes vos photographies étaient des tirages aux Palladium. Comment et pourquoi avez-vous choisi ce procédé ?

 Le tirage palladium est autant un objet précieux qu’il est inaltérable et sa beauté, selon le papier choisi et le mode d‘étendage de la solution de palladium, lui donne une magie et une noblesse inégalable.

J’avais découvert ce procédé, qui était pour moi obscur et élitiste, au milieu des années quatre-vingt-dix chez Sillages, le laboratoire de Marc Bruhat. Il était spécialisé dans les tirages alternatifs comme le platine/palladium. J’avais été totalement séduit par ce rendu si singulier qui me faisait penser à des dessins au fusain.

Il y a aussi une raison plus profonde pour ce désir d’utiliser cette technique. Ce rejet de l‘éphémère accompagné de l’idée qu’avec le temps qui passe mes tirages puissent un jour se détériorer s’ils étaient réalisés avec des techniques plus actuelles.

Au fond, je suis obsédé par l’idée que les choses puissent un jour disparaître et j’y vois là une promesse d’immortalité.

Les réseaux sociaux sont aujourd’hui devenus le principal outil de promotion pour les photographes et les artistes en général. Avez-vous une stratégie particulière pour les utiliser au mieux ?

Je ne me sers pas vraiment des réseaux sociaux, ils sont des outils sérieux mais à double tranchant, nous y trouvons le meilleur comme le pire et la déferlante d’images

Qui nous submerge chaque jour a modifié notre façon de regarder la photographie au risque de fausser notre perception de l’image et de passer à côté d’une quantité de photographes très intéressants. Je suis peut-être démodé mais je continue à croire que le bon vieux téléphone et la poignée de main est un outil qui a encore un bel avenir. J’aime le contact direct et regarder les gens dans les yeux.

Avez-vous des projets en préparation dont vous aimeriez nous parler (livres, expositions, workshops) ?

 A la suite de la publication de mon premier livre en janvier 2020, Paysages & Transfiguration aux éditions k éditeur, je prépare déjà un travail sur la couleur, toujours du paysage crépusculaire. Il ne m’est pas habituel de travailler en couleur, j’appréhende beaucoup ces instants, il ne me suffira pas d’une Fuji Pro 400H pour faire de la photographie couleur, ma façon de penser la photographie de paysage devra être reconsidérée.

Pour terminer, avez-vous un conseil à donner à un photographe/artiste débutant ?

Cultivez votre regard, allez dans les expositions, lisez et regardez des livres. Intéressez-vous à l’histoire de la photographie car elle est passionnante. Soyez en cohérence avec vous-même et apprenez à écouter votre cœur.

Vivez votre vie comme une aventure et rendez éternel ces instants furtifs, car tel est le paradoxe de la photographie, elle est furtive et éternelle à la fois.

The Phooks Magazine 01/2021

Comment vivez-vous et gagnez-vous votre vie?

Je suis photographe de mode et de portrait depuis 1995, date de mon arrivé à Paris. J‘ai travaillé pour différents magazines de mode et réalisé des catalogues de prêt-à-porter.  Depuis quelques années j’ai diversifié mon activité vers l’institutionnel. La vente de mes tirages aux palladiums à la galerie demi-teintes à Paris et mon exposition de 2016 à la galerie k éditeur m’ont motivé pour me plonger de plus en plus dans un travail extrêmement personnel.

Comment êtes-vous entré dans la photographie?

D’aussi loin que je peux m’en souvenir, j’ai toujours fait de la photographie. J’ai eu une période où je photographiais le ciel nocturne en pauses longue sur un trépied, il y avait alors des cercles blancs dans le ciel noir, j’était enfant à cette époque là et je ne comprenait pas bien de quoi il pouvait bien s’agir. Plus tard, vers l’âge de 14 ans je crois, j’ai compris que la photographie allait devenir le centre de ma vie car photographier était devenu un geste naturel chez moi. J’ai commencé plus tard à faire des photographies de réception, et l’on me payait pour ça. J’ai ensuite travaillé dans des centres touristiques, j’y photographiait les familles en vacances, ce qui était une excellente école car on y apprend à travailler vite et bien.

Des années plus tard, alors que mes premières questions sérieuses commençaient à émerger, j’ai compris que mes photographies, dans le cadre de mon travail personnel, aurons d’autres  fonctions que de monter simplement la réalité; elles serons le miroir de mon monde intérieur.

Qu’est-ce que vous appréciez le plus dans l’art de la photographie ?

Regarder une photographie peux être quelque chose d’extrêmement puissant car chacun de nous peux y faire sa propre opinion et se laisser aller à ses réflexions durant tout le temps qu‘il veux, elle  peux vous laisser un souvenir beaucoup plus vivace qu’un long documentaire télévisé qui vous envoie des centaines d’images dans un laps de temps relativement court avec une attention passive de son auditoire.

En fait j’adore découvrir l’univers d’un photographe et m’y faire un chemin.

Y a-t-il quelque chose que vous détestez?

Il m’est de plus en plus insupportable de voir dans des galeries, et pire, dans certains musés des tirages jet d’encre.  La place de l‘imprimerie, par définition  de l’encre sur du papier, est dans les livres, les magasines ou dans des images publicitaires. Je veux bien admettre qu’il s’agit là de nouvelle technologie très aboutit et quasi incontournable à présent, mais aussi réussi soit-il, le jet d’encre reste une vulgaire imitation d’un tirage traditionnel et n’auras jamais la noblesse et la magie d’un tirage argentique ou aux métaux précieux, j’ai peur que d’ici quelques années, à force de glisser dans le virtuel sans vraiment s’en rendre compte, il ne resteras d’une photographie qu’une image sur un écran où la «photographie objet»  n‘auras plus de sens, hormis quelque véritables collectionneurs qui continuerons à apprécier le bel objet et le plaisir de le toucher. De plus le prix que ces ersatz de tirages atteignent dans certaine galerie est de l’ordre de l’inconcevable.

Combien de livres vous possédez et que signifie votre collection pour vous?

Une bonne cinquantaine de livres, ce que je ne considère pas vraiment comme une

collection. C’est vraiment très peu par rapport à un véritable collectionneur qui peut en contenir plusieurs centaines, il s’agit de photographe que j’aime où leurs photographies me font voyager. Je garde avec moi tout leurs univers disponible à tout moments.

Y a-t-il un livre photo que vous admirez?

« Diane Arbus, A box of ten photographs » Il n’est pas à proprement parler un livre de photographie mais un recueil de 10 photographies argentique tirées dans les années 70 en partie par Neil Selkirk. Je n’en possède que le magnifique fac-similé de 2018 et je ne me lasserais jamais de le regarder tant les photographies de cet immense photographe sont fascinantes.

Que devrait être un livre pour entrer dans votre collection?

Un livre devras être un objet, agréable à regarder et à toucher et, bien que cela reste très subjectif, les photographies devrons êtres puissantes. il seras choisi en fonction de l’importance du photographe et de ce qu’il a pu apporter à l’histoire de la photographie et à son évolution.

Que signifie pour vous transformer votre travail en une forme sensée d’un livre ou d’un zine? Dites-nous en fonction de votre dernier projet.

La réunion de 50 photographies, parmi les milliers disponibles, à été un travail long, fastidieux et ingrat. Comme chacun sait il est extrêmement difficile de faire des choix. Raconter mon histoire ou faire un recueil de photographies purement descriptives à été au début de ce processus la question récurrente. Dans tout les cas je le ressent comme étant la fin d’une aventure et surtout le début d’une autre, qui j’en suis sur, seras encore plus belle.

Qu’attendez-vous que les gens ressentent lors de l’ouverture de votre livre?

J’ai longtemps hésité a faire un livre car je ne comprenait pas pourquoi un amateur de photographies allait s’intéresser au travail strictement personnel d‘un photographe. Mon travail n’est pas spectaculaire et je ne fait pas de la photographie pour plaire. Si en tout cas je peux faire rêver une personne qui feuillette mon livre et qu’il soit réceptif à mon univers crépusculaire, j’aurais enfin la réponse à cette question qui longtemps m’a travaillée, à savoir: pourquoi faire un livre ?